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[翻譯] 古典樂如何影響現代金屬樂

看板RockMetal板作者cygnusx523 (日本搖滾的最高!)
時間. (2024-01-07 23:01:47)
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原作:NOUR SHARIF/寫於2019年8月16日

(網頁版內附YouTube連結)
https://cygnusx523.blogspot.com/2024/01/blog-post.html

前言

   我從十歲開始就一直在聽金屬樂了。巧合的是,我大約也是在十歲時開始了鋼琴的古
典訓練。即使我花了很多時間在彈古典,但有很長一段時間裡,我平常都只聽金屬樂,根
本不聽古典樂。讓我們面對現實吧,人們普遍對古典樂的共識是「單調」和「無聊」。我
的意思是,對大多數青少年來說,對於那些沒有歌詞的音樂,大概只能維持三秒鐘的注意
力吧。而金屬樂卻向我提供了一個媒介和管道,讓我所有無處發洩的精力和青春期面臨的
焦慮都能流動起來,然後得到釋放、紓解,而那些對我作為一位初學者鋼琴家所彈的古典
樂,雖然確實對我的音樂教育非常重要,卻沒辦法提供一個出口,讓我可以釋放這些憋在
心裡的情緒,它實在是太無聊了。而基本上,金屬樂可以讓我冷靜下來,對我來說是很有
療癒性的,而古典樂只是我的作業,才能在全國音樂學院拿到及格的成績罷了。

   我是在看似截然相反的音樂風格中長大的,我不能說我完全沒有受到它們巨大的影響
,但我也有幸藉此認識到它們之間的相似之處。考慮到它們的處理方式似乎非常不同,這
些相似之處也許從表面上看起來並不明顯,但實際上卻並非如此。最鐵桿的古典樂迷們應
該都知道,其實它既不平靜,也不乏味,但是要看穿古典樂無聊的表象,深入其中的豐富
世界,還是需要累積大量的聆聽經驗才辦得到。

   多年來,我聽到了它們之間的相似之處,卻無法具體用文字表達出來。畢竟,當所有
音樂都由相同的基本七個音符組成時,你要怎麼解釋這種相似之處呢?我的意思是,
Metallica的〈Master of Puppets〉拉赫曼尼諾夫的〈升c小調前奏曲Op.3, No. 2〉
開場部分,都有一個共同的3音符進行,Opeth的〈Master's Apprentices〉貝多芬的〈
悲愴奏鳴曲〉第一樂章,在第一小節裡的節奏分割幾乎是一樣的,連演奏方式和和弦結構
都是雷同的,只是前者是小調,而後者是大調。

   然而,如果拿任何兩首曲子進行比較,然後就說它們有相似性,這樣就太荒謬了,因
為任何人都可以挑兩首歌找出某種共同的音符,然後貼上"相似"的標籤。除此之外,所
有西方音樂都源自於中世紀的教堂合唱音樂,因此你只要追溯到那個時代,就可以找到任
何現代歌曲的起源。此外,節奏變化和不規則的節奏模式也都不能當作參考基準,因為隨
著20世紀上半葉爵士樂的崛起,在節奏創意和拍子複雜性方面,已經沒有什麼想像空間了




金屬樂及其根源概述

   金屬樂的奠基者們大都接受過古典訓練。Deep Purple的創始人Ritchie Blackmore
、Megadeth的首席吉他手Marty Friedman、Scorpions的吉他手Uli Jon Roth(雖然不是
明確的金屬樂手,但在從硬式搖滾到重金屬的過渡中扮演了關鍵角色);Van Halen的創
始人Eddie Van Halen,以及許多其他人,都受過古典訓練。Jason Becker也接受過古典
訓練,甚至有人將他與巴哈相提並論。Jason傾向於以巴哈的數學音樂為基礎的小主題,
以一種發展的方式呈現出來。不過這不是什麼重要的事。像Bjork、Zedd甚至Ziad El
Rahbani這樣的音樂家也有受過古典訓練,這並不一定意味著他們都會走向金屬樂。但他們
之中有這麼多人都受過古典訓練,光這一事實就很有趣了。

   雖然Black Sabbath的四位創始人都沒有受過古典音樂訓練,但對於像我這樣的音樂
迷來說,在聽他們的作品,尤其是早期的作品時,會注意到一些奇特的東西。

   Led Zeppelin、Deep Purple和Black Sabbath都是將搖滾轉向金屬的先驅,但唯獨只
有Black Sabbath在早期作品中以原創的方式來表達音樂,而不是像Led Zeppelin和Deep
Purple的早期作品中那樣,稍微把迷幻搖滾加重而已。此外,有個重點讓Black Sabbath
從眾多同時期的樂團中脫穎而出,那就是他們簡單的Riff和歌詞主題,但這個稍後再詳談
。他們的Riff不僅非常簡單,而且最具吸引力的地方是他們的演奏方式,我指的是個性、
細微差異和表現力。這些Riff的演奏方式就像古典音樂家一樣,對節奏和表情的處理方式
都一樣。就以Black Sabbath的〈Paranoid〉(來自1970年同名專輯)中的Riff為例。它
以重複的音符開始漸強,隨著演奏低音音符而略微減輕力道,然後在高音上增加重量。在
〈Iron Man〉這首同專輯的歌曲中,他們也用了一樣的方式去處理Riff。不僅如此,即使
這些較長的音符碰巧不在強拍上,他們也會增加重量,這是我們在古典樂裡經常看到的手
法,例如蕭邦的〈夜曲Op. 9 No. 1〉中段部分那樣。

   但細微差異並不僅限於一種音樂流派,對吧?在不同的音樂流派中有許多歌曲並不遵
循這種方式,尤其是在音樂家沒有受過古典訓練的情況下。我現在可以給出的最好例子是
Metallica〈Fade to Black〉的開頭。身為受過古典訓練的音樂家,我不會選擇他們這種
演奏方式,尤其是在處理重複的音符時。但這種差異可能是一種風格的選擇,不一定是由
於他們沒受過古典教育的結果(James的媽媽可是一位歌劇歌手)。但是,對於Black
Sabbath來說,我們必需要注意到這種手法,這很重要,因為他們是這一流派的先驅者。



浪漫主義

   浪漫主義是一場始於19世紀初的歐洲藝術運動,但直到第二個十年才在音樂中表現出
來,主要是由貝多芬帶頭的,他將古典樂派時代引領到了浪漫樂派時代,他是中間人。在
貝多芬聽力下降、變成聾子之後,他開始創作更陰暗、更響亮的作品,這無疑是由於他的
疾病。許多人稱他是人類最早的金屬頭。自1808年的〈給愛麗絲〉之後,他的作品變得更
加陰暗和莊嚴。〈第5號交響曲〉(1809年)就是一個典型的例子,還有他的〈第7號交響
曲〉〈送葬進行曲〉(1822年)。甚至早期的作品,如〈悲愴奏鳴曲〉(1798年),
暴風雨奏鳴曲〉(1802年),〈月光奏鳴曲〉(1801年),都是情感美學更重更懇切的例
子。

   浪漫主義的主要焦點是情感、個人主義、反主流、對往事與大自然的讚美,以此反抗
啟蒙時代的貴族社會、政治規範以及古典藝術觀念。浪漫主義後來發展出一個稱為黑暗浪
漫主義的子流派,也稱為哥德主義,頌揚憂鬱、死亡和瘋狂。李斯特對死亡的著迷在他的
〈死之舞〉〈葬禮進行曲〉〈悲傷的鳳尾船〉〈緬懷亡者〉中得到了很好的體現,
他的許多其它作品也很陰暗,比如他的〈超技練習曲〉〈詼諧曲與進行曲〉。理察·華
格納為他的歌劇作品創造了「音樂劇」一詞。他的音樂既響亮又粗獷,而且情感激烈,
崔斯坦與伊索德〉就是一個例子。其他作品,如聖桑的〈骷髏之舞〉布拉姆斯的〈德意
志安魂曲〉柴可夫斯基的〈第1鋼琴協奏曲〉〈四季〉,都很好展示了浪漫時代及其
子流派的精隨。尼古洛·帕格尼尼在他的有生之年被冠以「撒旦教徒」的稱號,主要也是
因為他創作的黑暗音樂。

   金屬樂也是建立在個人主義和反主流的概念上,重點關注在情緒、焦慮、瘋狂、反叛
和幻滅等情感。它經由強調黑色這一個象徵個人主義的顏色,來放大這些情感,最終得以
體現該流派的精隨。由此我們可以清楚看到,金屬樂是怎麼在它的核心思想中反映並師從
浪漫主義時代。



浪漫主義音樂與金屬樂

   與其前輩不同,浪漫主義音樂擁抱了音樂所能提供的各種不同聲音(男低音、男高音
、女低音和女高音)。這主要是透過作曲家去探索複雜而豐富的和弦來呈現的。在此之前
,旋律或主題始終必須在音樂作品中最為清晰可聽。例如,在巴哈的創作中,必須在整個
作品中始終聽到他的主題,而其它音符則充當背景。在浪漫主義音樂中,旋律仍然很重要
,但它不再僅僅位於其他聲音之上,而是被設計為與這些聲音融合、互補。早期的古典樂
和巴洛克音樂聽起來層次分明,而浪漫主義音樂正在探索音樂可以走的不同方向,毫無顧
忌的將力道、重量和表情放進複雜的和弦結構中。這在蕭邦的波蘭舞曲和練習曲李斯特
的〈死之舞〉和練習曲貝多芬的〈悲愴奏鳴曲〉和〈月光奏鳴曲〉以及拉赫曼尼諾夫的
練習曲和前奏曲中表現得非常清楚。

   金屬樂一樣也與其前輩不同,非常強力支持不同聲音的融合。主唱不再是領銜者,而
是吉他手和主唱一起,有時甚至是貝斯手和鼓手爭奪主導地位。人聲不再是最響亮的那個
,整體聲音也不再只是層次分明,它是在融合,聲音在互補著。在某些時候,你甚至無法
分辨不同的聲音,直接效仿了浪漫主義音樂。例如,在Black Sabbath和Led Zeppelin的
早期作品中,你無法分辨不同的歌詞單字,因為主唱的聲音已經與吉他和其它樂器融合得
如此完美了。可以換句話說,「金屬樂要求人聲隸於樂團整體的聲音」。

   貝斯在金屬樂中也首次獲得了一個重要角色,這是在早期音樂中前所未有的。貝斯在
金屬樂裡面的作用比在其它搖滾流派中更為重要。甚至有一些樂團把貝斯視為主導樂器。
你也可以看到這是如何與浪漫主義音樂互相呼應,因為浪漫主義音樂比早期的古典樂和巴
洛克音樂更加注重低音。它接受了低頻的聲音,而不僅僅是將其當作背景或「填補聲音空
隙」的角色。

   同樣的,金屬樂裡的鼓聲旨在展現力量、速度和精確性,這是我在浪漫主義時代寫的
軍事進行曲中非常熟悉的東西。蕭邦的波蘭舞曲是軍事進行曲,他那個時代有許多作曲家
的練習曲也使用低音音符,來突顯一種類似鼓聲的效果,而實際上他們並沒有在音樂裡面
用到鼓。此外,人們認為音樂的響度是金屬樂的主要定義標準之一,而響度在前述的浪漫
主義音樂中也是一項突出的特徵。

   金屬樂裡的節奏模式也與古典樂裡的模式非常雷同。早期金屬樂傾向於使用簡單的拍
子,同時在每個小節裡探索複雜的節奏和分割拍,金屬樂逐漸演變成依賴和探索複雜節奏
的流派。古典樂其實也遵循著類似的模式。當然,你會發現複雜的節奏,但通常拍號非常
簡單,而樂曲內部卻有複雜的節奏分割。這使得每一個受過古典訓練的音樂家都可以輕鬆
探索複雜的節奏,就像Dream Theater的貝斯手John Myung和鍵盤手Jordan Rudess,這支
前衛金屬樂團傾向於探索複雜的節奏和拍號變化。Dream Theater的三位創始成員都曾是
柏克萊音樂學院的學生,主修音樂學。舉個例子,Dream Theater的〈Dance of Eternity
是一首長達6分鐘的歌曲,包含108個拍號變化,而他們能夠游刃有餘的演奏。樂曲中的
表達方式和細微差異,尤其是由鍵盤手演奏的部分,幾乎完全反映了古典樂的風格。

   歌詞性也是金屬樂最具有定義性的標準之一。這個流派的音樂是刻意製作的,以在其
響度和力量中展現出歌詞的含義,這解釋了金屬樂為什麼關注於不尋常、有時被視為禁忌
的主題。為了實現這種歌詞的氛圍,情感豐富的聲樂也是必要條件,這強調了聲樂與其它
音樂元素融合的觀點。主唱的音調、語氣,有時候會是比歌詞本身還更重要的環節,以強
調音樂的主題。

   Black Sabbath的〈Black Sabbath〉(收錄於首張專輯《Black Sabbath》)是一個
以歌詞性來強調主題的音樂例子。來自他們第二張專輯《Paranoid》的〈Paranoid〉
Fairies Wear Boots〉也是一樣。Ozzy Osbourne的〈Suicide Solution〉Dream
Theater的〈Panic Attack〉(你幾乎可以在音樂中聽到恐慌感)和〈6 Degrees of
Inner Turbulence〉都是這樣。或許System of a Down的〈Psycho〉也是歌詞性的。

   正如前面提到的,浪漫主義音樂傾向於描繪情感和大自然,這也使得許多浪漫主義音
樂具有歌詞性。貝多芬的〈F大調第六交響曲「田園」〉拉赫曼尼諾夫的〈鐘聲〉
格尼尼的〈鐘〉(由李斯特改編成鋼琴曲)、李斯特的〈死之舞〉柴可夫斯基的〈四季
蕭邦的21首夜曲德布西的〈月光〉都是具有歌詞性的音樂例子。它們還利用了繪詞
法,也就是用音樂來描述文字。19世紀的印象派藝術運動旨在透過音樂來重新再現情感或
場景。克勞德·德布西和莫里斯·拉威爾都是印象樂派。德布西的〈大海〉和〈映像〉
是極具印象樂派特徵的作品,透過音樂描繪了風景或動作。



結語

   總之,音樂的世界充滿迷人而美麗的驚喜。總是有比耳朵聽到的更多東西藏在裡面。
古典樂,尤其是浪漫主義音樂,確實很值得我們去深入探索,如果你喜歡聽金屬樂的話,
你也會發現浪漫主義音樂非常令人享受。


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